Stephen Broomer

La figura de Stephen Broomer está intrínsecamente ligada al movimiento vanguardista canadiense. Cineasta y restaurador cinematográfico, parece unificar ambos oficios de un modo muy presente en sus trabajos. De algún modo, tendremos la sensación de que sus cortometrajes son algunas de las obras que ha restaurado, no sólo por la focalización en el tratamiento de la imagen, sino por esas acotaciones con las que presenta sus filmes y la selección de contenidos, que aúnan investigación y selección de unos hechos históricos recuperados a través de su particular lenguaje.

El (S8) le ha dedicado una sesión en la que hemos podido disfrutar de catorce de sus trabajos, realizados entre 2011 y 2015. La programación se ha centrado en su trabajo en celuloide (16mm), destacando, tal como se indica en la web del S8: el papel de la luz, el color y las texturas.  Asimismo, también se nos señala que son: películas fuertemente ligadas al lugar donde han sido filmadas.

Queen’s Quay. Canadá, 2012, 16mm, 1 min.

Colisión y mezcla de colores. Proyecciones superpuestas y sobreexpuestas a la luz o a su ausencia. En este cortometraje, Broomer busca captar la luz que se cuela a través de la cuadrícula improvisada que conforma la estructura del puente y el muelle. Colores más fríos que cálidos que configuran un particular horizonte urbanita. Pintura sobre imagen y sobre película. De algún modo, el realizador consigue crear la ilusión de visualizar el paisaje con los filtros que el impacto directo de la luz crea en la retinas. El espectador hipnotizado ante una pantalla del mismo modo que el paseante cae ante el descubrimiento del panorama.

Queen’s Quay

Bridge 1A. Canadá, 2015, 16mm, 2 min.

El primero de los tres intersticios realizados por el autor. Imágenes que se cuelan en la oscuridad. Profundidad de campo modificada según los colores y edificios. Árboles con sus ramas configurando el mapamundi de la imagen. Cristales rotos. La dificultad de fijar la mirada y observar lo que nos rodea captada a través de la filmación de la oscuridad. La de las habitaciones en las que Broomer ha aprendido a desarrollar su tarea como restaurador cinematográfico transformada en película para compartirla con los espectadores. Grietas, rendijas y fisuras. Pero, al mismo tiempo, resquicios, aberturas y espacio. Tantas posibilidades…

Balinese Rebar. Canadá, 2011, 16mm, 3 min.

Sonido tubular predominante en la banda sonora. Aceleración y ralentización de la imagen. Superposición de los distintos planos. El mundo al revés, en el que los pájaros vuelan hasta lo más alto de los edificios y los humanos miramos hacia arriba buscando delimitar la longitud de los árboles. ¿Los pájaros somos nosotros? Los edificios (la intervención del hombre en la naturaleza) hacen que ya ni siquiera modifiquemos nuestro rumbo, sino que nos quedemos estancados en un punto sin avanzar. La imagen parece difuminarse con el vuelo de los pájaros, al ritmo de sus picos y sus alas. Edificios traslúcidos como cárceles de cristal. Al uso de los filtros y la explosión de color, amplificada por el sonido, se añade también el impacto estético de la tipografía.

Memory Worked by Mirrors. Canadá, 2011, 16mm, 2 min.

Espectacular autorretrato cinematográfico. Un espejo sobre el césped de un jardín para reflejar el hogar de la infancia. El marco delimitando las entradas y salidas en ese mundo amorfo que son los recuerdos. Blanco y negro y esta vez sin sonido. Luces y sombras siempre en movimiento. Saturación de la imagen ante tanto estímulo. Cristal esmerilado, opaco, distorsionado. Como nuestra identidad, como un bloqueo cerebral. Autobiografía hecha cortometraje. Hipnótica y fascinante pieza.

Wastewater. Canadá, 2014, 16mm, 1 min.

Vuelta al color y retorno al sonido. Un mundo quizá distorsionado, quizá acoplado. La planta depuradora de Toronto Norte y su descubrimiento entre un espeso bosque plagado de arbustos. Formas verticales que nos llevan a través de la energía hidroeléctrica convertida en imagen. Rojo y azul sobre los árboles y la torre industrial. Tras la verja, saturación de luz, color y sonido. De nuevo, el colapso.

Bridge 1B. Canadá, 2015, 16mm, 1 min.

Segundo intersticio. Los matices grisáceos del anterior puente dejan paso a la explosión de verdes, morados, rosas, marrones, azules y púrpuras. En plural. Intensidad cromática sobre película quemada. Preeminencia del amarillo sobre las flores y las hojas de los árboles. De nuevo, el negro copándolo todo y por las rendijas de la ausencia de color, el rosa. Sobre el rostro de la enfermedad, una explosión de naturaleza. Una reparación del mundo, que es lo que refleja el séptimo arte. Restauración del objeto retratado a través de la singular expresividad artística de Broomer. El mundo digital cubierto de polvo fotoquímico.

Conservatory. Canadá, 2013, 16mm, 4 min.

Escenas en un invernadero. Localizaciones reales y concretas. El autor nos invita con este cortometraje a visitar los Allan Gardens de Toronto. Filmado a través de una fina capa de celuloide colocada de manera inmediatamente frontal a la cámara. Ventiladores y estanques con peces. Palm House. Nombres propios inanimados y seres vivos anónimos. Distintas (y extrañas) formas de vida. Harmonía pactada entre estambres y pistilos que se encienden en movimiento sobre una cuadrícula sobreexpuesta en la imagen que sería la estructura de las columnas del domo. Profundidad de campo invertida, ya que los seres filmados se difuminarán a medida que la cámara (nuestros ojos) se acerca para contemplarlos al detalle. La antítesis de la imagen precisa y condensada.

Conservatory

Serena Gundy. Canadá, 2014, 16mm, 3 min.

Imágenes rimadas como las resonancias históricas y populares a las que hacen referencia. El parque Serena Gundy (nombrado tras la esposa de un empresario de Toronto de principios del siglo pasado) rimado fonética y figurativamente con Solomon Grundy (poema infantil que enseña los días de la semana, explicando en sus versos la vida del hombre del que toma prestado el nombre). El cine como reflejo del paso del tiempo. Restauración del paso (y peso) del tiempo captada por la cámara. De nuevo, el oficio convertido en imágenes. Blanco y negro. Esqueletos de los árboles como sinónimos de los de los hombres que los han contemplado. Imágenes caleidoscópicas. Movimiento de una figura superpuesta sobre otra y, así, sucesivamente para que todas las formas de la naturaleza se junten y formen una nueva. Cada final como un nuevo principio. Muerte y nacimiento en loop constante. Destacable maridaje del lenguaje oral y el audiovisual, ya que en este caso se filmará el significado de las palabras sin usar ni una sola.

Snakegrass. Canadá, 2012, 16mm, 1 min.

Este cortometraje se revela como un homenaje country al paisaje interior que nos sirve para regresar de no se sabe dónde a quién sabe qué lugar. Al son de la guitarra de John Fahey pasearemos por un camino delimitado por brotes de hierba en mitad de un bosque. Repetición de imagen y saturación de color. Serenidad y agitación. Ardor y sosiego.

Snakegrass

Bridge 1C. Canadá, 2015, 16mm, 1 min.

Último intersticio de la sesión dedicada a Broomer. Esta vez, predominancia del rojo y el turquesa. Cómo no, saturación de ambos colores. Hasta ahora hemos visto cómo el autor superpone imágenes similares como desencadenante de la acción (observación). En esta ocasión, las formas se multiplican hasta convertirse en cuerpos figurativos y las farolas se superponen sobre los animales y los árboles, hibridando lo urbano y lo selvático. El punto de encuentro, lo agreste. De la intervención humana y de la condición congénita de la materia surge un cortometraje cuya violencia se expresa a través del movimiento de la cámara de un veraneante imperecedero que mira hacia arriba durante su paso por la vida.

Gulls at Gibraltar. Canadá, 2015, 16mm, 3 min.

Volvemos al blanco y negro para una película rodada a base de bruscos movimientos de cámara y cambios de luz. Manifestación de la propia presencia de autor y espectadores sobre el paisaje, adaptándonos al ritmo de sus cambios constantes. Quizá sea este trabajo el que delimita más la direccionalidad de la mirada sobre la pantalla. Exposición exacerbada y explosión lumínica. Simultaneidad de horizontes, imagen sobre imagen, en un solo plano. Lo mismo con el vuelo de las gaviotas. Las olas del mar salpicarán expresivamente empapando al cielo con manchas de pintura. Acción como resultado de la superposición de imágenes en movimiento. Gaviota que se separa de bandada, volando quizá hacia Inglaterra o quizá hacia España. En tierra de nadie y en cielo de todos.

Landform 1. Canadá, 2015, 16mm, 2 min.

Violencia cromática a través de una actionpainting. Presencia y ausencia. Estudio del movimiento a partir de la filmación de distintos tonos de pintura roja, negra y azul. El ritmo de la velocidad de un ambiente como configurador de nuestra relación con el paisaje.

Christ Church – Saint James. Canadá, 2011, 16mm, 7 min.

De nuevo, localización histórica y concreta. En este caso, el viaje es hasta Christ Church – Saint James, iglesia negra del barrio de Little Italy, en Toronto. Entre las ruinas tras su incendio de 1998 se encuentran las capas para su restauración. De nuevo, la voluntad de contemplar y reconstruir. Imagen sobre imagen, escombros y reliquias. Tantas capas como estratos históricos por los que ha pasado el lugar. La banda sonora de John Butcher mezclará la insistencia tubular con la percusión. Observación y evolución. Imágenes del pasado sobre graffitis más actuales. Sorprende en este caso, la comunión entre planos exteriores e interiores que, combinados, conformarán una nuevo a medio camino entre los dos conceptos. Distintas épocas, englobadas a través de la superposición de la imagen hasta converger en un único campo. Restauración de la imagen como ilusión de revocar el pasado histórico al cual hace referencia. Saul Bass ha resucitado en Canadá en 2016. Y se llama Stephen Broomer.

Christ Church – Saint James

Brébeuf. Canadá, 2012, 16mm, 10 min.

Sentido homenaje a los etnógrafos y misioneros jesuitas Jean de Brébeuf y Gabriel Lalemant, asesinados en el sur de Ontario en 1649. Estampas que muestran las disputas entre conquistadores y conquistados. Sorprende la convivencia de imágenes claras y sin adulterar con el estilo característico del autor, así como la filmación de símbolos (cruces, puentes…). Espectacular recreación histórica a partir del movimiento de la cámara. Entre postes y capillas de piedra, el cementerio. La imagen buscará símbolos de la batalla para intentar recuperar los caminos diversos que llevaron al conflicto. Y, como siempre, las flores. Las que ya estaban allí y las que han nacido de la sangre de los caídos. La resistencia de un brote como testigo histórico de un suceso por encima de la de un monumento o conmemoración. Repetición y vuelta a las imágenes. Búsqueda en el pasado de explicaciones que no sirvan para comprender el presente. La magia abstracta del cine. La poética de la imagen, entre lo lumínico y lo tenebroso.

En conclusión, una obra, la de Broomer, en la que se nota la reflexión y el paso del tiempo. Lo mismo para el montaje de las distintas capas de imagen, luz y color. Es una constante en el autor el acto de filmar imágenes y dejarlas reposar para recuperarlas años después como principal contribución artística. Una vez ya interiorizadas empezará trabajar sobre ellas y con su capacidad comunicativa. Los conceptos de reelaboración y evolución (del paisaje, del hombre, del cineasta, de la historia y de los ciclos vitales) están fuertemente impregnados por el espíritu de Eisenstein en el montaje. De nuevo, la unión de la restauración del patrimonio y la creación de obras propias y nuevas. Un apasionante tratamiento de cada imagen y su relación con la siguiente y anterior. Asociación y disociación en un único plano. Extraordinaria sesión documental.

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